Bloody hell: Marvel vampyren Morbius udskudt til 21. januar 2022!

Ja grum og blodig ser han ud den “gode” hr. Dr. Michael Morbius, men man forstår ham godt.

Biokemikeren Michael Morbius forsøger som bekendt i den kommende Marvel film at kurere sig selv for en sjælden blodsygdom, men udover at han utilsigtet inficerer sig selv med en form for vampyrisme, skal han nu også finde en modgift for noget så latterligt som Covid-19 med alle de mutationer der nu dukker op.

Eller det kunne TheMovser ihvertfald godt drømme om at han gjorde, for nu har Marvel afdelingen hos Sony Pictures nemlig fået “corona” flyttet Marvel vampyren til den 21. januar 2022!.

Ja, BLOODY HELL siger vi bare, for f**k hvor har vi glædet os til at se Jared Leto i den kommende hovedrolle som den første filmatiserbare Marvel vampyr.

Men sådan skulle det ENDNU engang ikke gå, så derfor vil TheMovser, ENDNU en gang hjælpe vores læsere med deres venten og derfor gennemgå De bedste vampyr film nogensinde:

Døtre af Mørket (1971)

Med afslørende nøgenhed og seksuel lyst løsnet på tværs, kom vampyr filmen endeligt til at omfavne erotikken af genren i 70’erne. I de sidste par årtier har der været mange sexfilm, der involverer vampyrer. Belgiens ´Døtre af mørket´ er den mest kunstfærdige og mest lunefuldt krydrede af disse. Der er en blomsterædende “mor”(naturligvis hedder hun Grevinde Bathory!), en mystisk mand på en cykel og et udsmykket transsylvansk hotel, hvor en grevinde (Delphine Seyrig) og hendes assistent (Andrea Rau) beklager, at deres verden næsten ikke har nogen tilbageværende jomfruer, og dermed er grevindens ‘ritual badning i blodet af 800 jomfruer for hendes sunde glans, begyndt at aftage.

Indskriv et nygift par, der allerede er faldet ud af kærligheden med hinanden (hun er svensk, og dermed ikke af “godt blod”, dog næppe en bekymring for en vampyr) og er tørstige til at udforske hinanden som elskere, og du har fået opbygget et hotel egnet til psyko-seksuel udforskning og fester. Harry Kümel‘s film er “grindhouse” billetpris for dem, der foretrækker et strejf af klasse. Og Seyrig, en veteran fra internationale arthouse film for Alain Resnais og Chantal Ackerman, giver en af de “classiest” femme vampyrer, mens Rau er en af de mest dragende-især når hendes silkebløde forførende bevægelser perfekt komplimentere det fredfyldt overraskende soundtrack.

From Dusk to Dawn (1996)

From Dusk Till Dawn er en to-film-i-en low-fi oplevelse, som filmen `Grindhouse´ burde have været. Den første halvdel følger nogle naturligt fødte mordere (George Clooney og Quentin Tarantino), der banker sagesløse og plyndrer dagligvarebutikker i en forbrydelsesrus, på vej til syd for grænsen. De kidnapper en tro mand (Harvey Keitel) og hans datter (Juliette Lewis) og tvinger dem til et stop ved baren Titty Twister i Mexico. En kamp bryder ud for klubbens sirene (Salma Hayek) og derefter starter den anden del af filmen med vampyrer og alle, der bor der, bliver nødt til at kæmpe indtil daggry.

Robert Rodriguez‘s film er lige så fascineret af fordærvet af nattens dæmoner, som han er med de sadistiske brødre. Kristus-Loving Keitel er der for at give nogle skyld for at nyde dette så meget.

Martin (1977)

Det er altid George A. Romero´s (Night of the Living Dead) ikke zombie film, der bliver ignoreret, når talen om horror mesterværker kommer op. Martin er dog en langt mere opfindsom og foruroligende behandling og kærlig udpensling, af horror mytologien. Her er det den psykologiske tro på den titulære teenagers vampyrisme, der er central for handlingen. Han bruger sprøjter til at få sit blod/fix og han er en lige så stor mester forfører, som om jeg er kongen af Peru. Og Romero’s fascination af fortællingen om blodsugere synes at komme fra et nær-klinisk sted, indtil du kommer mod slutningen af denne snoede, truende “what-the-f**k film. Følelsen er ikke så meget frygt her, som det er psykologisk ubehag og årtier efter at dette unikke mesterværk så sin frigivelse, er der stadig ikke noget helt som den, selv blandt klare imitatorer og “pretenders”, til tronen. Martin er stadig et særskilt værk i en genre, der præmierer fantasien over næsten alt andet. Dette er Romero´s SANDE mesterværk med titlen, hvilket jeg senere opkaldte min søn! Ja, så bliver det ikke meget STØRRE!

Grev Dracula var altid lidt af en forfører, men Paul Morrissey (og producent Andy Warhol)gav os en afsindigt impotent Dracula (Udo Kier) i Blood for Dracula. Denne Dracula krop vokser sig utrolig svag, fordi- efter århundreders fodring på jomfruhalse – er det blevet sværere og sværere at finde jomfruelige kvinder at drikke fra(præcis som i `Mørkets døtre´). Hans assistent foreslår derfor, at de drager til Italien, hvor familier stadig har standhaftige katolske værdier og dermed vil kvinderne stadig være rene. Warhol’s sex afgud Joe Dallesandro, har taget det på sig at tage al jomfruelighed af enhver kvinde i det italienske landskab for at sulte Dracula ud. Blod til Dracula giver hermed en anden betydning til en “træstav” piercet i hjertet af Dracula. Her dræber hårdt og virilt “morgentræ” bogstaveligt talt greven!

Selv om det er nemt at grine af en impotent forfører, er der en vis tragisk sorg i Kier præstation; med øgede seksuelle frihedsrettigheder mistede vi det klassiske samfund, og Kiers Dracula er en fysisk repræsentation af den langsomme død. Dette er en mand, der kunne leve for evigt, så længe han levede i en æra af renhed. I århundreder var Dracula en troldmand af seksualitet og mænd var nødt til at jage ham ned og fysisk spidde ham for at beskytte deres rene kvinder. Nu kan enhver mand med sin “six-pack abs” slendre sig vej gennem byen og svække hans beføjelser.

Skyggen af Vampyr (2000)

Fordi ingen sand “cinephil” kan mærke sig selv sådan rigtigt uden at have set FW Murnau‘s Nosferatu, bør han/hun også nyde Shadow of the Vampire. Murnau’s ledende vampyr i 1922 filmen, blev så overbevisende spillet af Max Schreck (i hans eneste film kredit), at instruktøren E. Elias Merhige lækkert postulerer, at Schreck faktisk VAR en vampyr hyret af Murnau og lovede et menneskeligt offer til gengæld for hans autentiske film. John Malkovich spiller Murnau, men det er Willem Dafoe, i rollen som Max Schreck, og det er måske den bedste præstation i hans karriere før naturligvis han indtog rollen som Thomas Wake i den fabelagtige `The Lighthouse´. Dette er en mere mørk komedie end direkte rædsel, men genskabelsen af Nosferatu er klassisk; og Schreck ødelægger flere “takes”, fordi han griber en flagermus ud af luften til at bide i den der styrker filmproduktions ego og hvor langt nogen er villig til at gå for at få denne ægthed.

I centrum af The Addiction er tanken om, hvordan vi altid ændrer vores livsfilosofi til bedre at kunne tjene vores nuværende omstændigheder, uanset om det er afhængighed, en reaktion på traumer, de økonomiske forskelle i en kosmopolitisk by, eller den pludselige og uventede vampyrisme.

Only Lovers Left Alive (2014)

Jim Jarmusch‘s Only Lovers Left Alive ville udgøre en god “double-bill” med filmen, der gik forud for det på denne liste. I The Addiction møder vi Lili Taylor på et meget mærkeligt tidspunkt i starten af hendes nye liv, og hun har endnu ikke udviklet et system til at fylde hendes mave med samme ro, som hun udfylder hendes sind. I Jarmusch’s filosofiske strimmel, møder vi Tom Hiddleston og Tilda Swinton efter århundreders mønstre af “boheme udsvævelse”, til at være til stede for de fedeste kunstneriske bevægelser og de keder sig på tilstanden af moderne kunstfærdighed. Han er fortvivlet, og hun forsøger at bringe ham tilbage til livet og holde op med at se på den mørke side af tingene. Deres samtaler har en varm strøm af ideer og med mennesker, de har blandet sig med i århundreder, og hvordan verden kan stadig være mystisk og ny på trods af deres konstante tilstedeværelse.

Af alle de vampyr film på denne liste, er ´Only Lovers Left Alive´ er nok den mest menneskelige. Filmen ønsker, at det levende publikum fortsat skal inspireres, søge kærlighed, søge ideer og udforske nyt terræn. Hvis ikke for dig selv, så gør det for vampyrerne, der har brug for nye overraskelser til at genoplive deres ønske om at fortsætte med at observere menneskeheden.

Nosferatu, Vampyre (1979)

Werner Herzog‘s betagende genindspilning af FW Murnau‘s 1922 dybt væsentlige Nosferatu er både en hyldest til, hvad Herzog anser for den vigtigste tyske film gennem tiderne, og en endelig indtræden til sin egen karriere, der cementerer hans status som en af den moderne biografs mest poetiske kunstnere. Murnau kunne berømt ikke få adgang til rettighederne til Dracula, så han tilpassede materialet til hans behov, skiftede navne og steder, i et dristigt træk, der resulterede i et filmisk mesterværk, der næsten helt blev ramt på sin egen eksistens, som følge af gengældelsesaktioner og retssager fra Stoke Bramr‘s enke. På det tidspunkt Herzog fik sine hænder på materialet til Nosferatu The Vampyre, have Dracula allerde indfundet sig i det offentlige rum, så filmskaberen hermed var i stand til at fusionere de to store kildematerialer til en af de fineste horror dramaer gennem tiderne.

Herzog præsenterer vampyr mythosen gennem spektret af ensomhed som en gammel smerte, sætter spørgsmålstegn ved enhver iboende fordel af udødelighed, når man skal bruge dette så helt alene. Denne eksistentielle undersøgelse er båret af en triumferende præstation fra instruktørens mangeårige samarbejdspartner og genstand for fascination: Klaus Kinski. I Kinski’s hænder, er grev Dracula lige så patetisk som han er kraftfuld, spreder sin snigende svøbe med træthed af et monster, aldrig hengivet sig til dødelig hvile. Hans desperation og længsel er i sidste ende hans undergang i svimlende smukke, bizart sensuelle klimaks øjeblik, da han endelig “smæsker” sig på Lucy Harker (Isabelle Adjani). Denne scene fungerer som en slags krystallisering af filmens magt; et ikonisk øjeblik i Dracula mytologien, her har Herzog formået at subtilt genopfinde Dracula myten med sin infusion af patos.

Takket være Herzogs gave til at indfange naturens farefulde skønhed og det pålidelige strålende arbejde fra hans hyppige filmiske samarbejdspartner Jörg Schmidt-Reitwein, gengives hvert beat af den klassiske fortælling med den største billedkunst. I Herzogs hænder bliver den dristige genindspilning af en af gysets største film en doting hyldest (nogle gange ned til det samme skud), samtidig med at etablere sin egen plads i kanon af genren.

Near Dark (1987)

Efter at have tilbragt det foregående årti i vage sexploitation film, genopstod vampyren i 80’erne sig som en postmoderne læder-klædt punker. Og dette “look” gav filmskabere en masse nye vinkler at lege med: bander, rockere og junkier. Alle disse grupper engagerer sig i en mere farlig adfærd end den gammeldags vampyrforestilling. Disse var en ny race af terroriserende klaner, som “Lost Boys”, men Kathryn Bigelow‘s Near Dark er den bedste af 1980’er vampyr filmene. Hun sætter dem i en hybrid af både neo-vestlige “roadmovies”, der blev populær i 70’erne, og hun synes også at kalde “bullshit” som synonym på evig kærlighed.

Disse vampyrer er moderne banditter. De ruller ned af vores søvnige motorveje. I den bedste scene vælger de en barkamp. Den episk navngivne Severen (en temmelig vild og ustyrlig Bill Paxton)har vinger på spidsen af hans cowboystøvler, en tilføjelse, der fjerner behovet for at bide, og dermed fjerner den intimitet “fest”, at de fleste vampyrer tidligere har engageret med deres ofre. Men der er stadig en vis intimitet i Near Dark. B.la. en ung kærlighed, der starter på en bekvem butik (mellem Adrian Pasdar og Jenny Wright). Men Bigelow præsenterer den unge idé om evig kærlighed som noget, der kun kunne næres af den slags ting, der holder dig tæt på døden: sex, narkotika og rock and roll; således på kanten af døden på alle tidspunkter.

Dracula (1931)

Vampyrerne i film som ´Blade II´ hopper, kæmper og udfører bedrifter af næsten akrobatiske evner. Colin Farrell’s lækre blodsuger i Fright Night´s genindspilning bærer på lidt mere end en hvid t-shirt og jeans. Modernitet og vampyrisme har gjort det godt sammen, viser det sig, men der er stadig noget fint udefinerbart omkring den uforglemmelige stilhed i Tod Browning‘s oprindelige Dracula fra 1931. For dem der kun ser film, for at virke klogere end de er som mennesker, altså typisk dem der har brug for ironi og er afvisende over for “mysteriet” i verden, vil den oprindelige fortælling om grevens møde med Harkin familien ikke have meget effekt.

Den sort-hvide cinematografi forbliver smuk og Browning’s skud kompositioner er udsøgte, men hvis du ønsker psykologisk trussel,: det er ikke hvad dette handler om. Bela Lugosi‘s ikoniske karakter er en der understreger sit kongelige foreleje, hans finer af aristokratiet og den ældgamle klasse. Browning ser tilliden til et sådant væsen og dermed også visdommen. Så god som Farrell er i Fright Night, han praler, er aggressiv og indlysende, bærer Lugosi’s væsen sin verden-træthed, intellekt, og erfaring som et monteret jakkesæt, aldrig for belastet til at fange sit offer, snarere for at vide, at han har beføjelse til at fange dem og omvende dem. Der er masser af imitatorer værdige til at påpege den sande vampyr, men intet slår den oprindelige greve i denne henseende.

Lad den rigtige komme ind (2008)

Hvis det er atypiske kærlighedshistorier, “mobbet dreng møder girl-next-door” romancer, eller straight-up blodig rædsler, som du foretrækker som den fejende romantiker du er,  er Tomas Alfredson’s 2008 svenske vampyr-teenager film, Lad den rigtige komme ind, den blodige valentine gave for dig.

Forfatteren John Ajvide Lindqvist tilpassede sin egen roman til manuskriptet, der fokuserede på forholdet mellem den generte og forstyrrede 12-årige Oskar og en bleg, mystisk ny nabopige, Eli. De danner snart et bånd over deres lignende fælles mærkværdigheder: Oskar er fascineret af uhyggelige mord og Eli har en temmelig unaturlig tørst efter blod. Dette bånd vokser sig stadig dybere, ligesom deres sande natur bliver åbenbaret for hinanden. Oskar og Eli lærer at stole på hinanden med deres liv, en tillid, der bliver sat på prøve, før filmens gruopvækkende ubehageligt hjertevarmende konklusion. ´Lad den rigtige komme ind´ kan være det sandeste udtryk for “evig” og “ubetinget kærlighed”, du nogensinde vil få at se.

I en af de tidligste af alle vampyr film og stadig, den dag i dag, den absolut(?) bedste, har FW Murnau ikke forsøgt at romantisere sin vampyr, men i stedet præsenterer ham som en syg og skrøbelig skal. Grev Orlok (Max Schreck) er den definitive fysiske repræsentation af døden. Med spidse ører, næse, og de lange blege negle som fra en djævel. Murnau forsøger ikke en gang at filme Schreck på en måde, der ville antyde, at han plejede at være menneske; med hans kløer og forpuklede kropsholdning, hans bevægelser ser ud som om han trækker vejret som var han i helvede fra sin skygge. Ja, ikke just romantisk.

Mens fremtidige film vil gå til store og spændende længder for at romantisere og seksualisere sit væsen, der vinker til en potentiel evig brud, fungerer Nosferatu som en fantastisk metafor for den blindhed folk har, når finansielle belønninger er dinglede. Selv når det er dinglende fra kløer.

Nosferatu er ikke bare den bedste vampyrfilm, der nogensinde er lavet. Det er en af de bedste film, der nogensinde er lavet. Filmen runder næste år 100 vampyrår på denne planet.

Nå, hvor lagde jeg nu den blodpølse? Det er en TYSKER!