Vi glæder os stadig til `Ghostbusters: Afterlife´. Men hvilke spøgelsesfilm rykker også?

De ubudne (1944). Instruktør: Lewis Allen

Der er ingen mangel på “spøgelseshistorier” i den filmatiske encyklopædi, der stammer fra før 1944, men The Uninvited kastede en betydelig skruenøgle ind i konventionen ved at tage den noget risikable (på det tidspunkt) beslutning om i sidste ende at fremstille sin egen hjemsøgelse som “reel”. Før dette punkt blev spøgelser og hjemsøgelser i film typisk afsløret som arbejde fra “charlatans”, Scooby Doo- stil, men The Uninvited tog i stedet disse gotiske fælder og fik svejset dem til et følelsesmæssigt virkende familiemysterium / drama. Handlingen finder sted ved et palæ ved havet, der tidligere har været hjemsted for vold og truer med at være det igen, da efterkommerne fra de oprindelige ofre (og gerningsmænd) vender tilbage for at få deres forfædres synder besøgt på dem. Klassisk, uhyggelig film giver filmen en raffinementluft, svarende til hvad du ville se i Val Lewtons Cat People eller The Innocents fra 1961 . Effekterne virker i den grad også stadig.

Field of Dreams (1989) Instruktør: Phil Alden Robinson

Der er lidt fantasi i de fleste sportsdramaer, der overvinder umulige forhindringer og når sit højdepunkt i det magiske øjeblik om at bære dagen. Men Field of Dreams , tilpasset fra WP Kinsellas roman Shoeless Joe , er ikke en historie om atletisk dygtighed eller om at vinde dagen. Det er en historie om at tro på sportens magi. Det er en historie om fædre og sønner, om det hårde legespil, om at afbryde forbindelsen fra den virkelige verdens bekymringer for at spille et spil. Med andre ord handler det om baseball, den eneste sport, der kan gøre en Iowa majsfelt til et lille stykke af “himmelen”. Naturligvis er Kevin Costner og James Earl Jones ‘ vennerejse en anelse for sentimental; Amerikas tidsfordriv er intet uden følelser. De store ligaer ønsker måske, at alt hvad der kræves, var nye moderne skatteyderstøttede sportskomplekser uden for deres traditionelle centrum for at øge tilstedeværelsen, men i 1989 troede vi alle. “Hvis du bygger det, vil de komme …”

Coco (2017) Instruktør: Lee Unkrich

Med udgivelsen af Coco , som var den 19. film fra Pixar Studios, er der mindst to spørgsmål, svaret som ethvert medlem af publikum kan være sikker på, før ´den´ bordlampe hopper over skærmen. Vil animationen være i topklasse og fortjene adjektiver som “levende” og “smuk” og måske endda “saftig?” Uden tvivl. Vil stemmeoptrædningen være fantastisk og forbedre den førnævnte animation på alle måder? YOU BET! Du kan også stole på mindst et par effektive “strummings of ol ‘heartstrings”. (Og takket være film som Up og Inside Out , frygter du måske endda, hvor ødelagt du bliver.) Selvfølgelig betyder det ikke, at en Pixar-film er på helt sikker grund, for eksempel 2011’s Biler 2 (for mange Pixars kritiske nulpunkt). Inside Out og Find Dory var ren “homerun”, men imellem var der The Good Dinosaur (i bedste fald en popup bog med svag indmark). Takket være historien og vigtigst af alt dens indstilling, tæller Coco heldigvis som en af ​​studiets største succeser – og for mange Pixar fans, er historien om Miguel (Anthony Gonzalez) der kæmper for at forfølge sine drømme, måske Pixars mest meningsfulde film. Mere end nogen anden film på denne liste fejrer Coco de spøgelsesagtige afdøde og alt, hvad de repræsenterer for dem, der holdt dem kære. Dette naturligvis i bedste Pixar stil fortalt i en såkaldt “børnefilm”.

The Beyond (1981) Instruktør: Lucio Fulci

The Beyond KAN være den bedste af Lucio Fulcis ikke-zombiefilm. Hvilket ikke er at sige, at der ikke er nogen zombier i den, men det er ikke en zombiefilm i klassisk Romero-stil. The Beyond er den midterste “port” i Fulci’s “Gates of Hell” -trilogi og finder sted i og omkring et smuldrende gammelt hotel, der tilfældigvis “bare” har en af ​​disse porte til helvede placeret i sin kælder. Når det åbner, begynder hele helvede – selvfølgelig – at bryde løs i bygningen i en film, der kombinerer en hjemsøgt æstetik med dæmonisk besiddelse, de levende døde og en spøgelsesagtigt udseende “zombie”. Som med så mange af de andre film i denne form er det ikke altid helt klart, hvad der foregår – og ærligt talt er handlingen mere eller mindre irrelevant. Du ser det for at se dæmoner rive folks øjne ud eller se hoveder blive blæst af, og der er ingen mangel på nogen af ​​dem. Når du tænker tilbage på Lucio Fulci-filmen, vil du ikke huske meget af historiens struktur, du vil bare huske de ultra blodige højdepunkter, der sprøjter over skærmen på en måde, der fortsat påvirker filmskabere den dag i dag. Og DET er faktisk nok i sig selv!

Børnehjemmet (2007) Instruktør: JA Bayona

Det virker sikkert at sige, at instruktør JA Bayona var mere end lidt påvirket af Guillermo Del Toros Djævelens rygrad, da han udsendte The Orphanage , men filmen kanaliserer også et mere stateligt, gotisk “brand” af rædsel snarere end den støvede, grumsede realisme af Del Toros spøgelseshistorie fra den spanske borgerkrig. Her har vi noget med lidt mere storhed – et smuldrende palæ ved havet, der ville se malplaceret ud, hvis det ikke havde et spøgelse. Belén Rueda er fantastisk som Laura, en kvinde, der flytter ind på børnehjemmet, hvor hun voksede op med sin mand og unge søn, før hun blev trukket ind i den hemmelige historie omkring huset og de andre tidligere forældreløse, der engang boede der sammen med hende. Dybtliggende følelser og det umulige ønske om at beskytte sine kære mod det uundgåelige gennemsyrer filmen, men når hjemmets urolige ånder bliver aktive, er det også ret køligt. Tomás (Oscar Casas), den sækmaskerede unge dreng, som du uden tvivl kan se på DVD-omslaget til The Orphanage , skærer en ikonisk figur blandt spøgelser, men det er de ting, der ikke ses, der får The Orphanage til at isne. Scenen med en gengivelse af knock-knock-spillet, der en gang blev spillet af de forældreløse, er næsten uudholdeligt spændt.

The Devils Backbone (2001) Instruktør: Guillermo Del Toro

Guillermo Del Toros Pan’s Labyrinth er i vid udstrækning blevet fejret som en af ​​den spanske fantasists smukkeste makabre mesterværker, men det var filmens tidligere “søsterfilm”, The Devil’s Backbone , der var hans mest kølige (og personlige) arbejde indenfor horrorgenren. På baggrund af en lignende baggrund af den spanske borgerkrig og igen fortalt fra perspektivet af et lille barn (Fernando Tielve), handler Djævelens rygrad mindre om at flygte fra en verden af ​​rædsler via enten fantasi eller eksistensen af ​​et faerie-rige, og mere om at konfrontere disse personlige rædsler i virkelighedens skarphed og med alle begrænsningerne ved at være næsten magtesløs. Santi, det unge spøgelse, der hjemsøger dette spanske børnehjem, er et mysterium, en kryptering, hvis ønsker er fremmede for os, brak som det spøgelsesagtige vand, der konstant græder fra hans sår. Langsomt spænder spændingen op, mens en ikke-eksploderet bombe fra krigen lystigt glider væk i gården som et levende minde om volden omkring dem, The Devil’s Backbone kombinerer nogle af de kølige, spøgelsesagtige gys fra JA Bayonas The Orphanage med følelsen af ​​barndomshemmeligheder og pagter, som Del Toro forstår så godt (a la Stephen King). Det forbliver hans reneste gyserfilm.

The Changeling (1980) Instruktør: Peter Medak

George C. Scott frister sin naturlige irriterbarhed ved at spille en melankolsk komponist, der sørger over sin nyligt afdøde kone og datter i Peter Medaks sammenblanding af hjemsøgte husfilm og overnaturlige “whodunits”. The Changeling er udråbt som en af ​​de mest uhyggelige film nogensinde af selveste Martin Scorsese, og behandler terroren”in spades”, hvor Medak dirigerer den strammende frygt for det ukendte med præcisionen i en “rædselmaestro”. (Faktisk er det forbløffende, at Medak aldrig engang havde været i nærheden af ​​genren før.) Efter at have flyttet ind i et nyt hjem, en hundrede år gammel herregård, der også var besat af en ung drengs rastløse ånd, graver Scotts John Russell ned for at finde historien om en institutions skjul og magt udøvet uhyrligt i økonomisk gevinst. The Changeling kan være et udstillingsvindue for en ubesværet magnetisk fortælling, men det er også en mystisk thriller, der fænger på ligefod som den skræmmer. Hvad der begynder som en anden hjemsøgt historie, slutter som en kommentar til Amerikas historie: en nation bygges ikke kun gennem hårdt arbejde, men også på blod og ikke altid heroiske ofre.

The Haunting (1963) Instruktør: Robert Wise

Instruktør Robert Wise “håbede” angiveligt at opleve paranormale fænomener under optagelserne af denne tilpasning af en Shirley Jackson-roman og gjorde det skuffende aldrig. Ikke desto mindre efterlod han seerne med en temmelig kølig og meget stilfuld forestillet oplevelse. Antropologiprofessor Dr. John Markway (Richard Johnson) undersøger rapporter om psykiske fænomener i det uhyggelige New England-palæ kaldet Hill House. Hans følge består af to ESP-begavede-men-meget-forskellige-kvinder, Eleanor og Theodora (henholdsvis Julie Harris og Claire Bloom), samt skeptiker og Hill House-arving Luke Sanderson (Russ Tamblyn). Johnson og Tamblyn giver begge gode forestillinger, men hjertet i filmen er den høje spænding og højkontrast-skuespil af Harris og Bloom, som begge reagerer på husets forskellige tilstedeværelser på meget forskellige måder. Wise skaber et gobelin af ubehag og spænding med en alluserende, suggestiv instruktørstil, der giver meget plads til spekulationer om, hvor meget af det, vi er vidne til, virkelig er paranormalt, og hvor meget der drives af den forvrængede opfattelse af de urolige karakterer – især af Harris Eleanor, en forvirret plejeperson, der er desperat efter at undslippe kløerne fra hendes anmassende familie. Wise bruger sammen med filmfotograf Davis Boulton vidvinkellinser og infrarød fotografering samt utroligt uhyggelige sæt for at skabe en følelse af uvirkelighed og forvrængning. The Haunting er en gåsehuds-inducerende undersøgelse i løsrivelse fra virkeligheden og en mesterlig anvendelse af tvetydighed. De spøgelsesagtige fænomener kan være virkelige eller være i karakterernes hoveder, og følelsen af ​​usikkerhed er det, der skaber dyb uro.

Kwaidan (1964) Instruktør: Masaki Kobayashi

Spøgelseshistorier bliver ikke meget smukkere end de fire i Masaki Kobayashis fantastiske Kwaidan . Mellem to akerbisk politiske og anerkendte samurai-eposer, Hara-kiri (1962) og Samurai Rebellion(1967) instruerede Kobayashi den daværende Japansk films dyreste filmproduktion nogensinde, en antologifilm med dens dele løst forbundet med Lafcadio Hearns samling af japanske folkeeventyr og Kobayashis intuitive forkærlighed for surrealistiske, fejende frodige sæt. I ”Det sorte hår” forlader en egoistisk, fattig ronin (Rentaro Mikuni) sin kone for at gifte sig til rigdom, kun for at indse, at han begik en alvorlig fejl og kastede ham ind i et gotisk mareridt af forfald og beklagelse. ”Sneens kvinde” følger en håndværker (den altid velkomne Tatsuya Nakadai) dømt til at få stjålet alt, hvad han elsker, af et tålmodigt bureaukratisk spøgelse. Filmen til sig selv, “Hoichi the Earless”, sætter den titulære blinde munkmusiker (Katsua Nakamura) mod en familie af spøgelser og tvinger barden til at recitere – i dæmpet, hjerteskærende passager på biwaen – historien om deres krigstid. Rapt med uudslettelige billeder (mest kendt er måske Hoichis hud fuldstændigt dækket af manuskriptet til The Heart Sutra for at afværge spøgelsernes indflydelse), “Hoichi the Earless” er både dybt nervøs og stille tragisk, vrid med tristheden ved Kobayashis indrømmelse af, at kun kræfter uden for vores kontrol holder nøglerne til vores skæbne. Den fjerde og langt det mærkeligste indslag, “In a Cup of Tea”, er en fortælling i en fortælling, med vilje ufærdig, fordi forfatteren (Osamu Takizawa), der skriver om en samurai (Noboru Nakaya), der fortsat ser en ukendt mand (Kei Sato) i sin kop te bliver igen angrebet af de ondsindede ånder, han tryller. Fra disse forskellige eventyr, masser af foder til lejrbål, skaber Kobayashi en mythos for sit lands hjemsøgte fortid: Vi er intet, hvis ikke bønderne til alle dem, der kommer før.

De uskyldige (1961) Instruktør: Jack Clayton

Der er få seværdigheder i gotisk rædsel, der mere øjeblikkeligt er ikoniske end den kvindelige hovedperson, klædt i en flydende natkjole, der vandrer rundt i salerne i et tonet sort victoriansk landsted ved midnat med flammende kandelaber i hånden og børster spindelvæv ud af vejen, mens hun søger efter kilden til en mystisk lyd. Det er Deborah Kerr i The Innocents , en af ​​de største af alle gotiske “chillere”. Baseret på Henry James ‘ Turn of the Screw, det vedrører den unge guvernante med en kærlighed til børn, da hun befinder sig i et udfordrende nyt sted, der tager sig af to forældreløse børn, hvis rige onkel ikke har plads i sit hjerte for familiemedlemmer. Fra åbningsøjeblikket er fortidens spøgelsesagtige tilstedeværelse håndgribelig, og scenen sættes tematisk af det gentagne musikalske motiv af “O Willow Waly”, som er koldt at høre selv uden filmens kontekst. Der er et mysterium, der skal afsløres her, men The Innocents er en filmfest, selvom du ser på lydløs med filmfotograf Freddie Francis ‘eksperimenter med dybt fokus og kærlige skud af landets palæ, der skjuler en hemmelig fortid. I mellemtiden er børneaktørerne intet mindre end fænomenale – det kan være den bedste forestilling af et par børn i hele genrenes historie. Især Martin Stephens, som den urolige og underligt modne unge dreng Miles, er tryllebindende og tvinger Kerrs Miss Giddens til at stille spørgsmålstegn ved muligheden for overnaturlig indflydelse ud over graven. Det er en smuk spøgelseshistorie, der bedst ses ved stearinlys.

Ondskabens hotel (1980) Instruktør: Stanley Kubrick

Stephen King hader berømt Kubricks 1980-tilpasning af sin roman The Shining , som er vanskelig at forstå, før du rent faktisk læser Kings originale bog, hvorpå ting bliver langt mere klare. Kubrick, altid det “gale” geni, afviste stort set den følelsesmæssige kerne i Kings historie, fordi han så inden for knoglerne fra The Shining en mulighed for en rejse ind i hjertet af en visuelt og lydmæssigt inspireret terror, som kun få film nogensinde har været tæt på at replikere. I modsætning til King’s roman behandles Jack (Jack Nicholson) aldrig med nogen form for sympati eller patos i publikums øjne – han er et kryb fra det allerførste øjeblik, vi møder ham under hans jobsamtale, og han bliver kun værre derfra , med den underforståede trussel om hans fysiske vold mod Danny (Danny Lloyd) og Wendy (Shelley Duvall) hængende over hver scene som Damocles sværd. Hans galskab henvises til mesterligt gennem nogle af de mest ikoniske visuelle og især lydredigeringer i biografhistorien – få gyserfilm eller nogen film generelt har nogensinde brugt lyd så nervøst som The Shining . Gå og se `Haxan` og de lydlige sammenligninger er indlysende. Denne film, ligesom The Exorcist , siver ind i dine knogler og inficerer ethvert perspektiv, du har på horrorgenren resten af ​​livet. Det er en monumental film.

Og mine damer og herrer: Ghostbusters (1984) Instruktør: Ivan Reitman

Som en række 80’er merchandise og en tegneserieserie ville bevise, havde Ghostbusters masseappel med børn. Filmen fulgte et team af parapsykologer – spillet af Dan Aykroyd, den afdøde Harold Ramis, Ernie Hudson og Bill Murray – som tackler store spøgelsesspørgsmål i New York City. Nogle af effekterne er uddateret, men denne film har stor udholdenhed og med en næsten uendelig kapacitet. Og selvom skurkene kommer ud over graven, er de også børnevenlige med den Slimer der nærmest “tigger-om-at-være-et-plys-legetøj” og en kæmpe Stay-Puft Marshmallow Man. Giv denne klassiske komedie videre til den næste generation og den næste, mens du mere eller mindre ignorerer den mellemliggende genindspilning, som hverken var så god eller dårlig som fans eller modstandere gjorde det til at være.

Vi ses den 11. november!